Клод Моне

Клод Моне был ключевой фигурой в движении импрессионистов, преобразующих до неузнаваемости французскую живопись во второй половине девятнадцатого века. На протяжении всей своей долгой карьеры, Моне последовательно обращался пейзажам и досугу Парижа и его окрестностей, а также к живописному побережью Нормандии. Он проложил путь модернизму, разработав уникальный стиль, запечатлевающий масляными красками на холсте акт непосредственного восприятия природы.

Вырос в Нормандии, где получил начальное художественное образование у пленэриста Эжена Буден, известного картинами, изображающими курорты на побережье Ла-Манша. Затем изучал постановочную живопись у голландца Йохана Йонкинда. Когда Моне исполнилось 22 года, он присоединился к парижской академической студии Чарльза Глейра. Среди его сокурсников были Огюст Ренуар, Фредерик Базиль, и несколько других будущих импрессионистов.

Цветы и фрукты (1869)

Некоторые первые работы Моне имели незначительный успех на ежегодных выставках в салонах 1860-х годов. Однако среди работ Моне были и необычные для того времени, которыми он вызвал презрение к себе у широкой публики за, якобы, "незавершенность", "свободу формотворчества" и "нечеткость контуров". Тем не менее, художник воспринял жесткую критику как знак чести и признания и впоследствии назвал себя импрессионистом по названию одноименной своей работы, хотя название ей тогда было дано из "издевательских" побуждений.

Моне любил изображать предметы в их непосредственном окружении, подобно тому, как он рисовал людей и места. Часто моделями служили художнику его первая жена Камилла и вторая жена Алиса. Большинство картин создано в его собственных садах, где также любили работать Мане и Ренуар. Хотя картины Моне резко отличались, потому что включали в композиции признаки чисто бытовых отношений.

Моне следовал по пути барбизонских художников, которые мольберты с собой носили в лес (Фонтенбло), но значительно расширил практику в этом отношении. Барбизонские художники делали только наброски и этюды с натуры, а картины писали по этюдам в мастерской. Моне же работал с крупномасштабными полотнами на улице, а в мастерской их лишь дорабатывал и заканчивал. Натуралистические поиски и стремление "схватить" природные оттенки как можно точнее, побудило художника отказаться от академических представлений, регламентирующих состав красочной палитры, цвет и отношение к перспективе. Под влиянием традиционной японской гравюры, Моне привнес асимметричное начало в композицию и устройство форм, явно подчеркивая двумерную поверхность холста, устраняя линейную перспективу, отказываясь от трехмерного моделирования. Кроме того, он добавил яркости колориту картин, используя "открытые" краски, вводил значительный диапазон цвета в теневые участки и использовал белый грунт для холстов вместо темного, используемого в традиционной пейзажной живописи.

Интерес Моне к воспроизведению именно впечатлений, а не самой натуры, особенно ярко проявился, достиг апогея и стал доминировать во всем творчестве в 1890-х годах. Иногда художник писал один пейзаж снова и снова, словно документируя, как видоизменялся пейзаж со временем суток. Свет и тень являются для него такой же существенной деталью композиции, как и сам изображаемый объект. Примером тому является серия "Руанский собор". При создании этой серии Моне специально снял комнату в доме напротив западного фасада собора в 1892 и 1893 годах и держал там несколько подготовленных холстов. Он просто переходил от одного холста к следующему, следуя за изменениями освещения. В 1894 году Моне переработал серию в готовые полотна.

Серия Руанский собор

В начале двадцатого века Моне вырыл в своем поместье (Живерни) пруд, а когда тот зарос кувшинками, то сосредоточился исключительно на нем в своих живописных поисках. Его финальная серия картин - это как бы абстрактные визуализации растений, выходящих из воды широкими мазками цвета. Вскоре после создания финальной серии картин Моне умер богатым и уважаемым человеком в возрасте 86 лет. Правительство Франции поместило серию кувшинок в специально построенных галереях Оранжереи в Париже, где картины остаются до сих пор.

Кувшинки и ирисы (1914)

Кувшинки (1916)

Автопортрет художника (1917).